RRAURL: Ataque-Ataque

Meninas do Grime

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Fri, 04 Dec 2009 21:43:00 +0300

Ikonika e Cooly G colorem selo londrino Hyperdub com ótimos climas e batidas

Cooly G

Kode9, The Bug, Burial, Mala, Zomby e King Midas Sound têm pelo menos duas coisas em comum: são produtores que foram consagrados no selo Hyperdub e são todos homens.

A presença masculina nas áreas de produção de música eletrônica e principalmente nos estilos ligados ao grime, 2-step e dubstep não é nenhuma surpresa e já nos acostumamos. Parece até que foi feito para ser assim.

A boa notícia é que o selo Hyperdub, fundado e administrado pelo escocês Kode9 está investindo em duas jovens produtoras: Cooly G, que já havia anunciado na mídia no primeiro semestre que iria trabalhar com o selo e logo depois lançou lá seu primeiro EP "Narst/Love Dub", e Ikonika, que acaba de lançar mais um EP ("Sahara Michael/Fish") pelo Hyperdub.

Cooly G, em todas as matérias em que aparece, faz questão de mostrar que sabe o que está fazendo (e bem). Seu tech-house com inspirações do dubstep e 2-step têm linhas de sua própria voz, além de ser totalmente programado e produzido por ela. A produtora de 27 anos que cresceu em Brixton sempre se gaba de seu conhecimento técnico e sua capacidade. Manobra estratégica? Sim e reconhecida. Ela até já ministrou um curso de música e tecnologia em uma faculdade inglesa depois de gravar diversos artistas do início da cena grime.

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Cooly G - Dis Boy Pt. 4 (mp3)

Faixa do primeiro EP lançado pelo Hyperdub:

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Cooly G - Love dub (refix) (mp3)

Cooly G contando vantagem

A londrina Ikonika (a.k.a Sara Abdel-Hamid) utiliza o esqueleto do dubstep e faz um belo trabalho de timbres, harmonias e melodias, que às vezes parecem feitos de bleeps meio instáveis, meio derretidos. A menina com seu talento caiu nas graças de Kode9 em 2007 e agora da revista britânica The WIRE. Parece um ótimo começo, não?

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Ikonika - Please (mp3)

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Ikonika - Fish (mp3)

Ikonika está preparando seu primeiro álbum que sai em 2010 e torce o nariz quando lhe perguntam sobre ser mulher no meio da cena "cueca"do dubstep. Ela diz que comparado ao metal, gênero que adora desde a adolescência, o dubstep é "um ursinho de pelúcia" e que não pensa nisso quando compõe suas faixas.

Mesmo que Ikonika evite essa discussão e Cooly G a utilize em seu favor, será muito legal ver essas meninas fazendo alguma diferença na cena. O documentário Dub Echoes do brasileiro Bruno Natal, apesar de ter conseguido (quase heroicamente) reunir pessoas-chave para falar do nascimento e consolidação do dub, não mostra uma mulher sequer para contar a história do gênero. O trailler já mostra o drama:

Dub Echoes

Tomara que com a história do dubstep seja diferente.

Ikonika

Poltergeist Anos 80

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Wed, 18 Nov 2009 13:57:00 +0300

ariel pink

Uns dias atrás achei umas fitas-cassete perdidas dentro de um saco plástico esquecido no canto mais escondido da casa. Eram algumas fitas de rock empoeiradas e quando coloquei aquilo para tocar lembrei disso: o som de fita-cassete é ótimo! Muito menos irritante que o som do iPod ou do CD, que cansam rápido. Mas na verdade isso não foi uma experiência muito agradável: além da rinite, senti um arrepio do fantasma daquela época assombrando a casa pelo som gravado.

Essa sensação fantasmagórica que as gravações lo-fi dos anos 80 e 90 às vezes provocam na gente já é há um tempo inspiração de artistas pop jovens, algo que já foi chamado por Simon Reynolds de hauntology. O americano Ariel Pink é um dos principais nomes desse gênero. Imagine só uma mistura de Kurt Cobain com David Bowie e Ozzy antes dos 30 e vai ter algo próximo a aparência e performance de Ariel Marcus Rosenberg, que ainda pré-adolescente começou a compor e gravar suas primeiras músicas (que pouco têm a ver com os três crooners).

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ariel pink - credit (mp3)

Essa faixa é de 2007, mas manteve as características do pop anos 80 já que foi gravada totalmente em fita-cassete. Daí essa textura ultrapassada. Ariel Pink ficou conhecido por se apropriar dessa técnica de transformar suas composições recentes em ruínas musicais das profundezas dos anos 80. Veja um dos clipes com a linda performance de Ariel, aqui parecendo o Bowie de "Life on Mars" com cabelo oleoso:

Ariel Pink

Eu poderia ficar falando de Ariel Pink por semanas (já fiquei), mas o post veio para falar do lançamento do álbum "Horribles Parade" de Gary War - ex-membro da banda de Ariel - que dá continuidade a essa simulação do desgaste de gravações dos anos 80 para criar pops impossíveis.

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Gary War - Healthy Living (mp3)

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Gary War - See Right Thru (mp3)

A diferença é Gary War é às vezes mais punk que Ariel no álbum anterior:

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Gary War - Obscure Preferences (mp3)

Repare que Ariel e Gary conseguiram a textura de som mais macio da fita-cassete, mas que ao mesmo tempo cria um efeito meio histérico já que as variações de velocidade da fita desestruturam o som, deixando-o com uma cara derretida:

Gary War

"Horribles Parade" foi muito elogiado pelo revista WIRE de Novembro e é cheio de excelentes faixas que remetem a Suicide, a psicodelia de United States of America e um pouco de Bauhaus.

John Maus é outra figura que gravita à volta de Ariel Pink e Gary War, com quem colaborou no passado. É uma espécie de neo-Ian Curtis - lindo e louco como ele - com uma performance de palco perturbadora.

As poucas pessoas que foram ao show do Chairlift no SESC Pompéia (SP) na quinta passada puderam ver que a vocalista bonitinha estava com uma camiseta escrito "I Saw John Maus Live". Veja um pouco do nóia em ação:

John Maus

Algumas ideias aparecem pensando em Ariel Pink, Gary War e John Maus (e ignorando que o ar de velharia sufoca um pouco). A primeira é que isso não é um simples revival. O trabalho dos três é um trabalho sobre a mídia e a gravação analógica e seus limites. E são vários os limites que aparecem no trabalho deles: as restrições estéticas da indústria musical do passado, o limite entre a cópia e a expansão das fórmulas pop ultrapassadas... A tal hauntology no fim pode ser também um problema de lógica: esse pop que já nasce demolido pelo tempo só faz sentido quando percebemos que ele é na verdade, recém-lançado.

Baja California

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Thu, 12 Nov 2009 17:30:00 +0300

Como meninos das fronteiras entre México e EUA estão reinventando seu pop.

myspace.com/unsexynerdponi

Estereótipos do México correm soltos nos filmes, comerciais e imagens sem darmos muita bola para o que significam. De vez em quando até nos fazem achar que conhecemos alguma coisa daquele país. Mas como estamos longe de saber tudo sobre o México, deixamos essas imagens de lado para conhecer um pouco de sua música independente.

Esses são alguns artistas que fazem um som dançante e semi-eletrônico em uma das áreas mais interessantes da América: as cidades entre México e Estados Unidos. Tijuana, Chula Vista e Jalisco são lar de uma juventude que não ignora mais sua cultura popular. Pelo contrário: quer misturá-la com tudo que existe de legal na música indie e eletrônica.

Mexicanos Legais

Ser autêntico é vital para as bandas pós-internet que querem durar mais que um hit. Aquilo que é "novo" ou "do momento" pode até dar uma boa popularidade para um artista ou banda por um tempo, mas falar em "autêntico" é outra coisa. Como é que um artista hoje pode buscar "originalidade"? Pergunta que dá para quebrar a cabeça.

Já faz alguns anos que se falam naqueles novos gêneros de música eletrônica: baltimore club, dubstep, baile funk, cumbia, kuduro, bubbling. Eles foram várias vezes colocados em uma só categoria chamada "globaltech" ou "ghettotech" ou até mesmo "global ghettotech" (!!), você escolhe qual a menos pior. O que os artistas desse artigo não gostam de "globaltech", explicam, é que o conceito soa como um deja vu da "world music". Aquela ideia da world music nos anos 80 era simples: tudo que não era da indústria fonográfica principal ( então norte-americano ou europeu) podia talvez (e põe muitos talvezes) encontrar um lugar no mercado como "world music".

Mas - como tudo não é 100% ruim - essas categorias podem abrir algumas portas. Foi procurando ritmos locais reinventados como música eletrônica para dançar que Los Macuanos e María y José nos chamaram atenção na rede. Os dois projetos são formados por meninos de entre 20 e 22 anos com algo em comum: são tanto do México quanto dos Estados Unidos. Moisés Horta, Moisés Lopez e Marco Antonio Jimenez nasceram e foram criados nas cidades próximas ã fronteira entre os dois países na região da California. "Nåo somos de lá, nem de cá" nos disse Moisés Horta por MSN.

O trânsito entre México e Estados Unidos trouxe algumas peculiaridades ao gosto musical dos meninos. Enquanto moravam nos EUA, assistiam MTV, gostavam de nu- e death-metal, house, trance e indie rock. Marco Antonio disse que seu irmão mais velho ouvia muito hip-hop e rock e Moisés Horta conta que sua irmã mais velha o apresentou à música eletrônica. No México ainda estavam em contato com a cultura pop norte-americana, mas com um detalhe: a forte presença da música popular mexicana na cidade, nas festas, na rádio e na TV. Parece o Brasil?

Los Macuanos

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Los Macuanos - La Burrita (mp3)

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Los Macuanos - Virgencita (mp3)

Ritmos como cumbia e banda sinaloense aparecem meio espectrais na música de Los Macuanos, que mistura house, ambient e climas aéreos. É muito mais legal ouvir isso no som que com fone de ouvido e ainda mais legal com muitas pessoas junto. É um som que convida para uma experiência mais coletiva.

Um pouco diferente é o María y José:

María y José

Marco Antonio Jimenez a.k.a. María y José - com quem falamos também por MSN - é o mais novo do três (20), é quase nunca dá uma resposta séria. Fazia sempre piadas com Moisés H e L, sempre incendiando. Sua música tem uma personalidade parecida:

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María y José - Ola de Calor (mp3)

Outro grupo, Los Amparito aparece sempre relacionado a Los Macuanos e María y José. Lindíssima é essa cumbia com colagens de accordeon e uma voz lá longe:

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Los Amparito - Las Miradas De Magaly (mp3)

A experiência multi-cultural sempre esteve presente nas vidas dos meninos dessas cidades-fronteira. Mas o que surpreende é que Los Macuanos e María y José afirmam que sua música é uma continuidade possível da música popular do México, e não uma apropriação dela. "Autênticos" ou não, os grupos mostram como cada vez mais o valor do "local" acompanha o "original" na lógica da música pop independente.

Por mais que eu tentei perguntar de diversas formas como acontece de fato a mistura do México-Estados Unidos no trabalho deles, ficamos sem uma frase que dê conta. "É por isso que nós fazemos música." explica Moisés Lopez.

myspace.com/losmacuanos

Para saber mais acesse os blogs:

Brillo Monthly

Yo Te Amo

TOP 10: Bandas pop que não deram em nada

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Thu, 08 Oct 2009 23:07:00 +0300

Pretensiosas elas até prometiam, mas não tiveram muita vida após o hype.

Tem algo de fascinante quando o pop dá errado. Imagine aquela banda bonitinha, engraçadinha, que tem quase tudo para dar certo e aí....FAIL. Ninguém se interessa ou perde o interesse rápido demais.

Nessa enxurrada de bandas que estão se multiplicando aos montes com todas as facilidades da era digital que já estamos cansados de saber, a crueldade da seleção natural do pop fica mais evidente. Mais evidente e mais rápida. Muitas bandas aqui tiveram um belo destaque na mídia, tocaram em festivais e criaram expectativa, mas tiveram uma carreira meteórica (para baixo) que durou poucos meses. Os motivos são muitos: um clipe horroroso, um show frouxo, um vocalista feio, mas o mais engraçado é perceber aquela frustração que vem depois que tudo foi pelo ralo.

Para calcular essa quantidade de frustração, usamos uma fórmula bem prática:

Quanto mais próximo de ZERO, mais bem-sucedida é a banda. Conforme o coeficiente de FAIL vai subindo, é melhor se cuidar e mudar de estratégia o quanto antes.

10. Spleen United

Megalomania made in Denmark. O som do Spleen United quis ser grandioso e um pouco dark, mas faltou carisma (e um rostinho bonito). O álbum não tem hits bons para uma pista hype e também é delicado demais para uma cena mais gótica. E também não chega a ser emo. Acabaram como troncos sem braços e pernas nesse clipe ultra cafona que ninguém entendeu direito.

9. Clor

O Clor é uma banda inglesa que chamou atenção por essa misturinha de rock eletrônico em 2005, mas não deu em nada. Acabou no ano seguinte. Esses caras deveriam entender uma coisa: só artistas muito bem estabelecidos podem querer parecer "descartáveis". Se você não tem nada, não tem público, não tem grana, nem uma agenda lotada de shows, não caia na roubada de fazer um clipe ridículo desses. Foi total suicídio de carreira, antes dela sequer começar.

8. New Young Pony Club

New Young Pony Club está numa posição mais baixa porque ganhou atenção da mídia por mais tempo do que deveria, portanto seu coeficiente de FAIL desceu. New Young Pony Club é o tipo de trilha para desfile de moda de estilista universitário. Ao ouvir essa banda pela primeira vez, ele deve ter imaginado uma coleção inteira de saias de cintura alta. Estilistas estudantes, de uma coisa vocês podem ter certeza: escolham uma banda dessas para trilha e se arrependam no futuro (principalmente se seu futuro for promissor).

7. Delays

Essa dá um pouco de pena porque é uma banda que gostamos muito, mas é um clássico caso de revival antes da hora. "Estar certo antes é estar errado". Foi o que aconteceu com os bonitinhos Delays. Eles fazem revival de um estilo de bandas inglesas como The LA's que tiveram seu ápice nos anos 90. O problema é que os Delays já estavam revivendo essa onda em 2003, 2004. Muito cedo e não colou.

6. We Are Scientists

"My body

is your body

I won't tell anybody

If you wanna use my body

go for it"

Rimar body com body já é ruim o suficiente. Mas repetir a palavra QUATRO vezes no refrão parece alguma coisa do David After Dentist. Essa banda também está no páreo pelo quesito pretensão. Cientistas de quê? De rock é que não é porque o som não tem absolutamente nada de inovador.

5. To My Boy

Essa dupla inglesa fez muita força para parecer nerd e acabou faltando um certo...pau-duro. A libido para To My Boy não existe; eles só querem saber de computador e raio X. Até o Kraftwerk é mais sexy que isso (na verdade Kraftwerk é MUITO sexy!). O álbum é divertido, dá um barato parecido com o de quem come muito açúcar.

4. The Long Blondes

Tentar domesticar a mal-criação tradicional das bandas inglesas de menina como Delta 5 e The Slits não é uma boa ideia. The Long Blondes abusou da maquiagem e ficou no meio do caminho na música, fazendo um soft-brit-pop...de menina de família. Ainda tem muitos fãs por aí, mas a banda já acabou.

3. Black Strobe

Essa coisa de fazer música falando que está tendo relações íntimas com uma celebridade é uma estratégia bem passé. Até o Léo Jaime já usou o truque "comer a Madonna" que o Black Strobe usa nessa música. E nem a ajuda de uma celebridade como Asia Argento ajudou a banda. A doida passou um tempo dizendo que AMAVA Black Strobe. Será que esse tesão todo continua?

2. Does it Offend You Yeah?

Resposta: Yeah. Se a sua criatividade se resume a ser um filhote vira-lata do Daft Punk com o Justice, isso ofende sim. Mas a pergunta que não quer calar mesmo é se a banda não passa de um plano de algum executivo da EMI querendo explorar o mega-nicho dessas bandas. Aliás, obrigado EMI por bloquear o vídeo da banda para o Brasil, como quem clicar abaixo vai notar. A filtered disco já viveu dias melhores.

1. The White Rose Movement

É disso que estamos falando. The White Rose Movement tira as palavras de nossa boca, ganhando o primeiro lugar pelo fator "pretensão" com uma releitura circense dos anos 80. Eles surgiram junto com outra banda parecida, a "She Wants Revenge" (que por pouco não entrou aqui). Estava tudo certinho, bem amarrado, a música até que é legal, mas...nada aconteceu e The White Rose Movement foi engolida pela cruel seleção natural do pop pós-internet.

Senhor do Tempo

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Mon, 05 Oct 2009 19:26:00 +0300

O fim de um dos blogs mais brilhantes que já apareceram nas internetz

Você pode nunca ter ouvido falar de Momus e muito menos de seu blog ClickOpera. Mas é muito provável que ele tenha pensado nas coisas que você gosta e costuma fazer em sua cidade antes de você sequer ter se interessado por elas. É por isso que muitos blogueiros (inclusive nós!) ficarão órfãos com o fim do ClickOpera, anunciado essa semana pelo escocês radicado em Berlim. Momus fechará seu blog em Fevereiro, no dia de seu aniversário de 50 anos.

Não ache que o tapa-olho é estilo. Momus realmente não tem um olho debaixo da cortininha preta. O músico, artista, escritor, crítico e apaixonado pela cultura japonesa, perdeu seu precioso olho direito na Grécia por conta de uma infecção por uso de lentes de contato, o que estranhamente criou uma aura (ainda mais) cool em torno dele.

Nascido em 1961, Nick Currie a.k.a Momus é uma espécie de maverick da cultura contemporânea low-brow com fascinação por culturas como a japonesa. Aqui relembramos uma pequena parte do que o multi-homem realizou (e ainda realiza) em sua carreira musical e em seu blog.

O Intervalo Ansioso

Se quiséssemos achar um denominador comum na carreira artística de Momus, ele seria o pós-punk. Momus começou a ganhar atenção com seu estilo musical durante os anos 80, explorando os limites de aceitabilidade das estruturas da música "pop"¹ com letras sombrias e moods estranhos, chegando a um som sempre desafiador mas sem nunca abandonar o terreno "pop". Ouça uma faixa do álbum Timelord de 1993:

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Momus - Rhetoric (mp3)

Uma banda contemporânea a Momus que tem sonoridades parecidas é a anglo-holandesa The Legendary Pink Dots (sou suspeita porque é uma das bandas que eu mais gosto):

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Legendary Pink Dots - The Day Before It Happened (mp3)

É engraçado porque esses dois artistas são uma espécie de aberração do pop britânico que enveredou para o experimental (mas nem tanto), criando algo que pode ser chamado de "avant-brit-pop". Veja só uma das faixas mais espertas do álbum mais recente de Momus, de 2008:

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Momus - Jahwise Hammer of the Babylon King (mp3)

Na mesma medida em que Momus não obteve grande popularidade com sua música, seu blog criado em 2004 já mostrava a capacidade de seu autor em tecer comentários que englobam seus assunto de interesse, sua música e sua vida pessoal.

Um dos posts mais geniais que Momus já escreveu é sobre o "Anxious Interval", um conceito sobre o revival na cultura pop:

O intervalo ansioso seria o passado recente, que nessa foto é representado pelo neo-hipponga neo-folk Devendra Banhart. O passado recente é uma "distância desconfortável", uma distância suficiente para dizer que estamos em um outro período, mas não grande o bastante para nos sentirmos à parte. É por isso, segundo Momus, que o revival somente acontece na faixa do "The Goldmine".

Nosso "Goldmine" agora são os anos 80. O "Battlefront" é talvez a faixa mais interessante para o "revival de vanguarda". É o limite entre o período que está sendo revivido e o passado recente. Um exemplo disso são os anos 90. Já estamos sentindo que um revival dos anos 90 vem aí, mas não vemos ainda toda sua força na moda, por exemplo. (aliás, tenho uma suspeita que uma difusão do revival do heavy metal pode dar vazão de vez ao revival dos anos 90).

Entre o pop e o difícil

Dar atenção a assuntos que não são tradicionalmente entendidos como "elevados" ou dignos de estudo aprofundado, é o que eu entendo como low-brow. Por essa foto você já pode ver que Momus não é nenhum intectualóide que discute a cultura sob um ponto de vista inacessível para quem não está versado em uma ou outra teoria. Assim como sua música, o autor sabe encontrar seu "Battlefront" que o posiciona nos limites entre o "popular" e o "difícil".

Para isso obviamente Momus desenvolveu algumas estratégia para discutir assuntos sérios como a imigração na Holanda e manter a fidelidade de seu público. Como? Analisar o impacto da imigração na Europa também pelo ponto de vista da MODA:

Essa foto tirada pelo autor, é parte do post onde Momus elogia a onda de imigração de muçulmanos, africanos e asiáticos para Europa como uma solução parcial à monotonia estética e falta de criatividade que associa aos europeus nas últimas décadas. Essa monotonia, segundo Momus, pode ser encontrada nos looks totalmente pretos dispostos na loja supra-sumo Colette em Paris nessas últimas semanas:

Inversamente proporcional é seu entusiasmo com o Japão. Em especial, a música e a moda. Com muito esforço de pesquisa e de escrita, Momus inventou uma cena japonesa chamada Matsuri-kei, que consiste em um gênero musical de bandas só de meninas que gritam acompanhadas de tambores e outros tipos de percussão e ruídos eletrônicos:

Pesquisando os cinco anos de publicações é perturbador perceber que Momus já falou de praticamente tudo. Acho que por aqui você já pode ter percebido o drama que foi escrever sobre ele, já que seu encanto é irredutível em um post. Recomendo para quem se interessar, gastar bastante tempo nos arquivos do ClickOpera para aproveitar um pouco de seus últimos meses de vida.

A volta do Metal

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Mon, 28 Sep 2009 18:17:00 +0300

Da música à moda, o heavy metal surge reinterpretado

Como metaleira de coração, esse post me dá uma certa consciência pesada. Gastei finais de semana demais durante a adolescência na Galeria do Rock odiando posers, trocando tablaturas de bandas com os amigos e criticando tudo que não era o "verdadeiro metal". Águas passadas. Depois de um tempo, o mundo metaleiro passou a ser sufocante.

Mas ultimamente para minha surpresa, parece que o estilão metaleiro está voltando na música, na moda, nos assuntos. Enfim, parece que o metal voltou a receber atenção e um certo hype nas capitais.

Um trabalho emblemático dessa volta triunfante é o incrível livro de fotos "True Norwegian Black Metal" do fotógrafo Peter Beste, lançado no primeiro semestre. O livro recebeu reviews acalorados ao redor do mundo, esgotou nos primeiros meses de venda e demorou a chegar aqui em casa. O livro mostra fotos membros de bandas, fãs e shows da cena de black metal na Noruega, um dos estilos mais agressivos e polêmicos que já apareceram no metal.

True Norwegian Black Metal

Fãs da banda Immortal

Nattefrost

O black metal tem regras muito bem definidas. É quase atonal, as guitarras e baixos são ultra-distorcidos e a bateria é veloz, quase sobre-humana. Ideologicamente, é contra o cristianismo e a favor das tradições "pagãs". Quase todos os clipes tem uma característica desconcertante de serem filmados em florestas e pedreiras.

Um estilo homogêneo como esse é um material incrível para desconstruir. É o que fizeram os americanos do grupo Sunn O))) (pronuncia-se somente "sun").

Sunn O)))

Os americanos de Seattle fazem uma espécie de meta-metal, explorando sonoridades e timbres do black metal com o dark ambient, drone music e noise. A performance também impressiona, com muita fumaça artificial, capas tipo monge misteriosas e locais conceituais como uma igreja na Bulgária.

Sunn O))) é talvez a banda que mais defina essa onda reinterpretativa do metal na música. Mas junto com ela, vêm outras bandas recentes como Kylesa de Savannah, Georgia:

Kylesa

E Boris de Tóquio:

Boris

Nova Iorque está abrigando essa onda muito bem em clubes e casas de show como ABC no Rio, Irving Plaza, Europa Club e The Charleston. É cada vez mais comum ver noites dedicadas a bandas de metal nesses lugares. O público varia e abrange também a classe hipster, sempre louca por horizontes menos colonizados pela mídia, o que contraditoriamente faz com que as novidades sejam rapidamente difundidas, gastas e logo depois odiadas pelas mesmas pessoas que as hyparam.

Um sintoma disso é como a moda acompanha essa cena (ou talvez como essa cena acompanha a moda). Veja como a it girl Alice Dellal sintetiza essa tendência:

Blogs como Glamour Paraguaio estão dando uma atenção especial a essa tendência e fazendo uma bela compilação de fotos de belas na rua e editoriais de moda lotados de tachas, couro, correntes e jeans rasgado:

Difícil é saber como essa tendência irá pegar, se vai se espalhar e quanto tempo irá durar. O que é interessante - pensando como metaleira de coração - é como a mídia, a moda e a música conseguiram criar uma perspectiva em relação ao heavy metal para se apropriar dele e expandir suas duras estruturas estéticas, mesmo que seja só pelo hype.

Pornô Andrógino

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Thu, 17 Sep 2009 23:10:00 +0300

"Dupla Incorporação Oral" essa sexta no Plano B

Nessa sexta apresento (eu = Vivian) o meu trabalho de performance mais recente, chamado "Dupla Incorporação Oral", no (micro)(nano) templo carioca da música experimental, Plano B.

Para essa performance, programei um patch que transforma o timbre da minha voz em tempo real, e com ele posso simular vozes masculinas e femininas. A partir disso vou usar dois microfones preparados com esse simulador de timbres para reproduzir alguns diálogos de filmes pornôs brasileiros. Farei as personagens femininas e masculinas.

Uma enorme inspiração para chegar nessa ideia, foi as performances da heroína Laurie Anderson:

Laurie Anderson

Ela é aquele tipo de artista que me dá alegria só de saber que ela realmente existe, e que faz tudo o que faz. Agora, também gosto da atitude da mal-educadíssima Karen Finley:

Karen Finley

Essa outra artista americana surgiu no ápice da club performance, a performance que migrou dos museus e galerias para os clubes punks dos EUA, Europa e também daqui do Brasil durante os anos 80. Na club performance, os códigos da cultura pop, do rock e comportamento punk se misturam com a linguagem das artes visuais. O Fausto Fawcett foi um dos artistas mais importantes no Brasil nessa linha e outro ídolo que tive o prazer de conhecer pessoalmente aqui no Rio.

Depois da minha performance, quem se apresenta é a MC Xuparina:

MC Xuparina

Marcella Maria "era Xuparoca, virou Xuparina e seu mundo se abrir". A MC carioca tem uma presença de palco de tirar o fôlego e brinca com a sexualidade do funk carioca para montar seu comportamento lésbico e incendiado. Moana Mayall será sua VJ, com vídeos de comerciais, novelas e filmes onde a MC aparece como figurante.

Vai ser no mínimo divertido me apresentar com a MC Xuparina para falar de gênero em um lugar que gosto tanto, como o Plano B. Quem estiver pelo Rio, apareça!

Dias Austríacos e Barulhentos

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Tue, 15 Sep 2009 18:44:00 +0300

O que rolou de legal pelo Ars Electronica!

Resumir o Ars Electronica em um post não é nada fácil. Mas como todo blogueiro brasileiro é herói, vamos contar um pouco do que vimos do dia 3 a 7 de Setembro na Áustria caipira-tecnológica, nada a ver com o hype de Viena.

Em Linz, um querido amigo catalão que trabalha para o Sónar nos disse que o austríaco é um alemão latino. Se usarmos o alemão Felix Kubin como o anti-latino absoluto podemos até acreditar nisso! Essa espécie de andróide neo-Kraftwerk fez nossa primeira noite ser inesquecível. Veja nossa gravação:

Felix Kubin no Roter Krebs

No dia seguinte um choque cultural. A incrível G.rizo uma gata negra furação de figurino à la Rihanna programava seu som e fazia um rap sozinha no mesmo palco que Felix Kubin havia arrasado corações e tímpanos. Foi engraçado como ali os Estados Unidos assumiram uma cara "exótica" para mim. Estranho? Leve para os confins da Áustria uma afro-americana ultra-carismática mega-talentosa que faça os europeus dançarem até morrer para entender!

G.rizo

Uma exposição inteiramente dedicada a mostrar obras de som nas artes tomou as galerias do Lentos Museum. Com minha humilde câmera consegui fazer um pequeno vídeo de um dos trabalhos mais fotogênicos da mostra:

Herwig Weiser

Essa peça, que é na verdade enorme, faz um jogo de ondas eletromagnéticas sonoras e ferrofluid; esse estranho material escuro. Tudo é feito de lixo tecnológico e o resultado é uma mistura de caos e organização em vibrações bem graves.

Mais colorido e inocente é o trabalho do japonês Yuri Suzuki que estava no OK Center:

Yuri Suzuki

Sua criatividade em vinil gerou meta-vitrolas: agulhas móveis ou instaladas dentro de carrinhos e LPs modulares que podiam ser montados e desmontados pelos visitantes. Era uma obra divertida mais no sentido do entretenimento e uma das mais movimentadas de todas as exposições do Ars Electronica.

A noite musical de gala do festival era o evento "The Pursuit of the Unheard" que apresentou vários artistas que inovavam tanto em seu material sonoro como no formato de performance. Já de cara, a noite ganhou um tom irônico e bem-humorado com o concerto dos coelhos franceses Nabaz'mob; uma espécie de toy-art polifônica que pode ser "regida" por um computador:

Nabaz mob

Logo mais tarde, a coisa não era mais tão boazinha. A compositora Elisabeth Schimana propôs a peça mais pesada da noite, usando o ancestral do sintetizador Moog, chamado MaxBrand. A coisa era um "monstro tecnológico" operado pela fantástica pianista Manon Liu Winter e Gregor Ladenhauf que fazia os controles dos milhões de botões, chaves, cabos e válvulas.

Elisabeth Schimana

Não se preocupe se você não apreciou, não era para apreciar mesmo. Schimana propôs uma "trip to hell with no return ticket" que fez até algumas pessoas passarem mal e sairem da sala. Nos divertimos moderadamente graças aos protetores de ouvido dados pela organização.

É legal ir a esse tipo de evento para entender como artistas e músicos estão se comportando frente à uma tecnologia pervasiva, que está em tudo e em qualquer lugar, sugando boa parte de nossa atenção e desejo. Sejam críticos ou entusiastas, sérios ou irreverentes, os artistas que trabalham com tecnologia estão com uma batata quente na mão, buscando meios de legitimação de seu trabalho com algumas estratégias bem-sucedidas e outras nem tanto. De qualquer maneira, vale a pena acompanhar para dançar ou para passar mal.

Ataque-Ataque no Ars Electronica

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Wed, 02 Sep 2009 17:38:00 +0300

A pequena cidade de Linz na Áustria recebe anualmente o festival Ars Electronica, o maior festival de arte, música, performance e sociedade voltado à criatividade tecnológica. Esse ano, para não quebrar a tradição (já é o terceiro ano que vamos!) iremos aterrorizar a cidadezinha com uma câmera na mão e muitas anotações no bolso.

O festival é sempre muito interessante para entender os papéis da inovação tecnológica em práticas culturais como as artes visuais, a música pop e "culta", performance e também para ver discussões sobre cibercultura, políticas digitais e interdisciplinaridade na "nova" educação. O tema desse ano vai ser polêmico: uma visão artística sobre a engenharia genética, ciborgs, clones e outros esforços da tecnologia em simular e melhorar o homem.

Highlights musicais desse ano incluem um encontro de peso (neo-minimaista) do artista sonoro alemão Alva Noto (Carsten Nicolai) com o também artista sonoro Ryoji Ikeda; e festas de música mais dançante no centro de arte contemporânea OK Center e o no simpático e sempre lotado bar Krebs.

O Low-Tech Colombiano

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Fri, 28 Aug 2009 16:12:00 +0300

Bogotá criativa e irreverente cria bandas low-tech incríveis.

Antes de conseguir fazer qualquer entrevista com os artistas que vou mostrar aqui, já quis subir um post com cara de guia para uma "cena" bem específica de Bogotá na Colômbia. Primeiro por ansiedade (estou que nem essa loura Ataque-Ataque), segundo porque Bogotá é talvez a metrópole latino-americana mais legal atualmente para quem gosta de arte contemporânea. São poucos os artistas jovens que me empolgam mais que a Adriana Salazar e Ícaro Zorbar. Isso já é um bom sinal (para os cool-hunters de plantão) de que Bogotá pode ficar na moda, assim como Buenos Aires e São Paulo ficaram.

Algo como uma cena bem estabelecida de música "low-tech" colombiana talvez não exista. Mas esse grupo de artistas (todos amiguinhos de MySpace),faz um som que pode ser classificado assim. São canções simples, econômicas, mas com lindos timbres acústicos misturados com barulhinhos eletrônicos tipo CASIO, sintetizadores bobos que mostram o gestual de quem toca e uma certa melancolia dark. Um new-weird-latin-america.

Las Malas Amistades seria talvez o pioneiro dessa geração colombiana moderninha e já lança as bases do micro-gênero. Os três estudantes de arte em Bogotá se reuniam semanalmente para fazer uma música "criada no vácuo", sem ensaios, sem repetições ou trejeitos. Assim, revelaram uma estética espontânea, sentimental/inteligente e semi-naïf.

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Las Malas Amistades - Cuaderno (mp3)

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Las Malas Amistades - La Prima (mp3)

Só é uma pena que os Las Malas Amistades tocam pouquíssimo ao vivo já que um dos membros é "tímido demais" segundo o site do LMA, e outro mora em Nova Iorque. Mas vale a pena ouvir todos os álbuns que o trio disponibilizou em seu site, que são de uma sensibilidade e bom-gosto impressionantes.

Um dos membros do LMA, criou um interessante projeto paralelo chamado Chúsmica:

Todos me Aman - Chusmica

Manuel Kalmanovitz Gonzalez e a moça que canta ali em cima chamada Natalia (não revela sobrenome) conheceram-se em Bogotá e circulam pela Colômbia, Montreal e Nova Iorque tocando seu som pequenininho e inteligente. Vale a pena ouvir as faixas em seu MySpace, que unem a voz expressiva e grave de Manuel com os charminhos de Natalia.

Outra dupla colombiana - agora de meninos - é a divertidíssima TAMAL. Dois meninos magrelos de aparência nerd que sabiam tocar sintetizadores se juntaram para fazer releituras do reggaeton. Como é de se esperar, sua música acaba passando uma certa ironia nostálgica, mas (felizmente) sem nenhum ranço retrô. Veja se isso é ou não é low-tech:

Tamal - Computadora

Depois de tanta latinidade, você deve estar se perguntando o que eu quis dizer com "dark" no começo desse post. Bom, o som da dupla Mugre pode nos mostrar um pouco da pegada sombria dessa micro-cena.

Assim como Las Malas Amistades, os Mugre são artistas visuais. Carlos Bonil, que compõe a dupla junto com German Bonil, chegou até a participar da seleção Younger Than Jesus, uma das principais exposições de arte contemporânea jovem do mundo. O aspecto "dark" na música de Mugre (que também aparece com frequência nas obras de Carlos), aparece carregado de ironia, assim como o reggaeton de Tamal ou os tecladinhos do Las Malas Amistades:

Mugre - Fantasma Invernal

Auto-denominando-se "bedroom band", Mugre é consideravelmente produtiva com quatro álbuns gravados desde 2005, que segundo o MySpace dos garotos, estão todos esgotados. Vamos levar em conta que a tiragem desses álbuns não deve ter sido das maiores.

Aqui vejo um problema: a empolgante criatividade dos jovens de Bogotá no entanto, é muito difícil de ser acessada, com exceção do Las Malas Amistades. Essa é minha crítica aos grupos "low-tech" que acabo de mostrar aqui; não há como baixar as músicas, comprar ou consumir de qualquer outra forma fora do MySpace. Poucos deles têm vídeos ou sites que passem mais informações sobre as atividades atuais.

Entendo bem que todo esse mistério e despretensão à volta das bandas é um elemento importante para se criar a aura "cool" de seu trabalho musical. Ao mesmo tempo, uma auto-promoção um pouco menos anti-mercado seria incrível para os hermanos aqui entenderem melhor o que está empolgando a juventude criativa da incrível Colômbia.

N-1 e as Gambiarras Chinesas

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Mon, 17 Aug 2009 14:15:00 +0300

Duo de música experimental lança CD nessa terça no MIS-SP

Giuliano Obici e Alexandre Fenerich, o duo N-1, lança essa terça seu primeiro CD (O Jardim das Gambiarras Chinesas) no Museu da Imagem e do Som, o MIS, em São Paulo onde também se apresenta.

N-1 faz um som performático e experimental, explorando pequenos ruídos de brinquedos, latas, microfonias e LPs que rodam em vitrolas, decorados/modificados com moedas e pequenos bonecos. Entrevistei-os por email para conhecer mais de seu trabalho e seu público.

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N-1 - Ahab (mp3)

Ataque-Ataque: Antes de começar a perguntar sobre o N-1, queria saber do seu público: para quem vocês estão tocando ultimamente? Quem assiste aos shows?

N-1: Quem nos acompanha é um publico interessado em arte contemporânea, arte sonora ou música experimental. Desde que montamos o duo, em 2007, temos tocado em vários tipos de lugares: museus, galerias de arte, festivais de música contemporânea, bares, salas de concerto e uma loja de discos. Tocamos até em um festival específico sobre música eletrônica do mundo em uma edição focada que contemplou a música brasileira - o Worldtronics em Berlin 2008.

Aqui no Brasil, existem alguns lugares que mantém programação constante para esse tipo de proposta. Por exemplo, nós temos nos apresentado no Ibrasotope em São Paulo - espaço este que consideramos como nossa "casa"-, e o Plano B no Rio.

Mas nossos primeiros shows foram ligados a arte contemporânea. O primeiro foi na Galeria Emma Thomas e o segundo foi no projeto OidaRadio, no Paço das Artes, em São Paulo. Mais tarde tocamos no FILE, que não é exatamente um festival focado apenas em musica contemporânea ou experimental, mas em arte eletrônica em geral – fato que mostra que há mesmo um interesse ou uma curiosidade por parte ao menos de uma parcela das pessoas ligadas a arte contemporânea por uma proposta musical como a nossa.

Ataque-Ataque: E o que vocês acham que acrescenta para o N-1 se apresentar em um lugar de arte contemporânea, como o MIS São Paulo?

N-1: Nosso trabalho tende ser mais aceito entre os espaços de arte contemporânea que no ambiente musical, que é quase sempre muito preso ao peso da tradição. O acolhimento de nosso trabalho pelo do MIS e por outras instituições ligadas à arte contemporânea também revela um lugar cada vez mais consolidado, nas últimas décadas, da arte sonora que tem se afirmado como uma vertente significativa e interessante para pensar e experimentar sonoramente. Temos mesmo dúvida que o que fazemos seja música; talvez nosso trabalho esteja muito mais próximo da arte sonora.

Ataque-Ataque: Essa é para pensar mais: no que vocês se acham antigos e no que vocês acham novos?

N-1: Sabe que não nos preocupamos em quê somos antigos ou novos. Tentamos não ficar com a obsessão que há em torno do ineditismo em arte de forma geral. Aquela fala “mas isso já fizeram” não nos preocupa. Muito do que propomos já existe com certeza, se formos pensar bem não inventamos nada novo. Mas claro que não é só isso, porque o arranjo desses elementos, o jeito de combiná-los geram singularidades.

Bolamos um set com uma mesa cheia de parafenalhas que microfonamos e filmamos sua manipulação. Esse set surgiu por uma preocupação pela cumplicidade visual que sempre existiu entre o instrumentista e o público e que a musica eletrônica e eletroacústica perdeu. Essa idéia surgiu na tentativa de dar conta de uma angústia comum que existe na cultura da laptop-music, a de nunca saber se o que é a situação onde a postura corporal do intérprete, que fica toda parte do tempo parado apertando botões é de fato bem desinteressante. Esse trabalho surgiu a partir de um contraponto com a música eletroacústica, onde não se vê como os sons foram feitos, porque foram gravados anteriormente.

Ainda sobre o velho e o novo, podemos pensar no improviso, que é algo antigo e que assumimos como elemento de nosso trabalho. Para nós o improviso é uma estratégia de performance, que nos obriga estar atentos durante os shows. Temos a preocupação por escapar de uma sonoridade “bem tratada”, sem ruídos, de alta definição. As tecnologias digitais tendem a este tipo de situação sonora clean, que nos parece monótona. A maior parte de nosso trabalho no campo digital é a de escapar desta limpeza e de sujar o som de procedimentos estranhos às técnicas digitais. Também adicionamos uma quantidade enorme de instrumentos acústicos e elétricos – muitos não bolados para serem instrumentos musicais. Isso tudo gera muito estranhamento aos ouvidos, e nos propomos a escutá-los como com a devida atenção, de forma que eles se tornem tanto nosso quanto. Uma boa parte de nosso trabalho consiste extrair disso tudo algo que nós gostamos.

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INFO

18 AGO
20h
MIS (Museu da Imagem e do Som)

Av. Europa 158 | São Paulo
Ingressos no local. ($10 estudante 1/2)

dowload CD e informações: http://n-1.art. br

MoHa! - tecnologia demolida

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Thu, 06 Aug 2009 13:51:00 +0300

Com cada vez mais eventos de arte&tecnologia no Brasil e no mundo, parece que estamos nos acostumando com aquela estética digital que quer ser auto-suficiente, quer poder fazer tudo, controlar tudo, interagir com todos.

Exposições como "The Generational: Younger than Jesus" em NYC já chamaram atenção para uma nova geração de artistas que utilizam novas mídas com ceticismo e sarcasmo; de modo a revelar aspectos mais interessantes da tecnologia do que...a tecnologia por ela mesma. Esses artistas comportam-se mais como arqueólogos e críticos do que como programadores e arquitetos e suas obras distinguem-se por um desencantamento em relação à "mágica" das ferramentas tecnológicas.

A música experimental obviamente tem preocupações e desenvolvimentos muito diferentes dos das artes visuais. No entanto, é também possível encontrar artistas que trazem essas novas questões no plano sonoro. Uma das bandas mais interessantes nesse caminho é o MoHa! que lançou há pouco tempo o vinil 10" Tape That Split (Gaffer Records).

Noruegueses morando em Berlim, MoHa! é um duo formando por Morten J. Olsen e Anders Hana, que faz algo como um "sonic splatter" : um som pesado, percussivo, cheio de texturas histéricas e movimentos matemáticos. Seus instrumentos são bateria, synths, algorítmos feitos no SuperCollider e uma guitarra ligada em uma bela pedaleira analógica. O resultado dessa mistura é como se o heavy metal tivesse evoluído da música concreta:

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Moha! - Too Smart Enough to Think (mp3)

A performance ao vivo não fica para trás, aliás, faz parte da estética digital splatter do MoHa! Grandes bulbos de luz branca substituem a iluminação de palco e um holofote pisca em momentos precisos, na cara das pessoas.

MoHa! é um sintoma otimista de que a arte e a música já estão começando a se sentir a vontade para dominar a tecnologia com uma proposta artística de desmonte; de quebradeira daqueles "blocos inteiros e bem acabados" atrás dos quais as novas mídias se protegem.

Baile-Funk Kosher

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Thu, 30 Jul 2009 20:49:00 +0300

vídeo enviado por Rictones

Mais um novo exemplo de como o funk carioca já virou uma forma de discurso que caiu no gosto de pessoas que não esperávamos. Pessach (Paulinho) Rosenbaum fez um funk com motivos da religião judaica (a saída do Egito para ser mais preciso). Tudo muito bem humorado e super certinho.

Pessach foi esperto usando a palavra "gueto" para validar o uso do funk como uma voz das "minorias". Só não vamos achar que a música da "favela" é uma música de "minoria"...as áreas mais pobres do Brasil já produziram mega sucessos como a banda Calypso, que rapidamente se espalhou pelo Brasil.

Impossível não lembrar de Matisyahu, que faz uma bela mestiçagem de rastafari com judaísmo, cantando reggae com letras que contam histórias do povo judaico.

Estamos com a macaca

noreply@rraurl.com (Vivian Caccuri) — Sun, 26 Jul 2009 20:45:00 +0300

Nessa terça tem Dancing Cheetah no Rio, uma das festas mais legais e fora do eixo, especialmente por ser aberta a sonoridades superpopulares. Como a Vivian (aka DJ Vivi Caccuri) vai tocar, a gente aproveita esse post inicial para comentar uma seleção não só do que vai rolar por lá mas também do que tem assombrado a playlist ataque-ataque nos últimos dias:

Rye Rye é uma ninfeta lindíssima de 19 anos de Baltimore - Maryland. Simplesmente incrível! Ela é o novo investimento da M.I.A. no selo que a diva do ghettotech acabou de lançar. Mal podemos esperar para o álbum sair.

Cada vez mais gostamos de chicha, a versão peruana e psicodélica da cumbia. Ouvimos a coletânea "Roots of Chicha" e nos apaixonamos: é tudo dançante, doce, romântico! Mas como todo ritmo latino-americano, a chicha também tem toques de safadeza.

Esse moço vem de uma cultura que é talvez a mais discriminada e diminuída hoje em dia: a chinesa. Sulumi tem formação musical de conservatório, mas é adepto da música de videogame 16bit. O cara faz reviravoltas inacreditáveis e agressivas dentro daquela estética e é sempre apontado como destaque da nova geração de artistas de Pequim.

É até engraçado, mas até os escandinavos estão inventando seu próprio gueto agora. O skwee, um ritmo eletrônico que mistura hip-hop oldschool com electro, minimal e synths super bregas apareceu na Finlândia já com ares de "Yo!" (em finlandês)

Para nós, os vídeos dos sonideros mexicanos uma das coisas mais interessantes acontecendo no audiovisual atualmente. E como fãs da nova música das periferias globais, achamos o sonidero mexicano uma loucura surrealista, cheia de textos e efeitos futuristas retrôs fantásticos. O som para uma rave indígena-mestiça de primeira!

Misturar metal com Sun-Ra é um dos pequenos feitos do Chrome Hoof. O coquetel é ainda mais radical e inclui elementos de afro-futurismo com burlesque e visual Sunn O))), em formato big band com muito lamê prateado.

Crabcore, uma coisas mais divertidas que apareceram no planeta recentemente. Crabcore é emo + metalcore + autotune (estilo Kanye West) + eurodance (estilo Basshunter). Fique de olho nas dancinhas estilo caranguejo e no final apoteótico a partir do minuto 2:48. E o nome da banda é Attack Attack!, que é o mesmo nome desse blog. Juramos que nosso nome veio antes!

Não surpreende que Cooly G seja mais uma novidade das periferias de Londres, de onde vêm algumas das ondas mais interessantes de música para dançar atualmente (dubstep, wonkytechno, bassline etc etc etc). Assombrada pela nostalgia dos primeiros anos das raves (ainda que ela seja nova demais para ter vivido os verões do amor na Inglaterra no começo dos 90's) a moça não só sabe programar como está criando batidas que são uma boa trilha para esse fim de década.

postado por V. Caccuri e R. Lemos